La turbulenta vida de Caravaggio, el claroscuro y cómo la pintura 'Los Tiburadores' se convirtió en un punto de inflexión para convertirse en un estilo artístico icónico que aún influye en la actualidad. 
Juan el Bautista (a veces llamado Juan en el desierto) fue el tema de al menos ocho pinturas del artista barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610).
El término claroscuro proviene de las palabras italianas chiaro que significa claro o brillante y scuro que significa oscuro u oscuro. En las pinturas, la descripción se refiere a claros contrastes tonales que a menudo se utilizan para sugerir el volumen y el modelado de los sujetos representados. La técnica se centra en las sombras y una única fuente de luz para lograr una profundidad y un tono fotorrealistas. Utilizado principalmente para pinturas al óleo, los artistas de la primera época del Barroco mostraron lo sorprendente que puede ser el método, razón por la cual tantos artistas hoy en día continúan implementando la técnica del claroscuro, a pesar de lo desafiante y lento que es lograrlo.
Fotografía de bodegón submarino de Vanitas ' Emperadores verdad ' fechada en 2010.
Algunas de las técnicas de sombreado utilizadas para lograr un claroscuro eficaz incluyen el sombreado, el sombreado con líneas paralelas y la superposición de tonos del mismo color. Para crear gradaciones tonales, suele ser más eficaz trabajar de oscuro a claro. Los artistas más famosos por su uso del claroscuro incluyen a Leonardo da Vinci, Caravaggio, Rembrandt, Vermeer, Goya y Georges de La Tour. Leonardo da Vinci lo utilizó para dar una impresión vívida de la tridimensionalidad de sus figuras, mientras que Caravaggio utilizó tales contrastes en aras del dramatismo. Todos estos artistas eran muy conscientes del impacto emocional de estos efectos, al igual que yo. Crear claroscuro con fotografía 'en cámara' me ha llevado muchas décadas perfeccionarlo usando un proceso que literalmente pinta al sujeto con una luz que permite que estas obras fotográficas adquirir la apariencia de una pintura al óleo más de lo que jamás hubiera imaginado. Usar la fotografía de esta manera única es para mí una oportunidad de capturar la belleza seductora de los confinamientos cotidianos de la vida, volviendo a proponer lo ordinario, lo desplazado y lo pasado por alto que tal vez todos damos por sentado.
Michelangelo Merisi da Caravaggio llevó una vida turbulenta, involucrando cargos de asesinato, emboscadas por parte de caballeros y asesinos, y una muerte que todavía está envuelta en un misterio hasta el día de hoy. Derramó su pasión en su obra de arte, produciendo piezas realistas del alto renacimiento que tenían una increíble cantidad de detalles. Su uso del contraste de luz y oscuridad, o claroscuro, fue increíblemente influyente para los artistas de la época y allanó el camino para la técnica del tenebrismo. Una de sus primeras obras maestras, The Cardsharps.
Caravaggio, Los tahúres de 1594
The Cardsharps representa un juego de cartas que se juega entre tres jugadores: dos jugadores y una marca. Están jugando un juego de primero, una versión temprana del póquer. Uno de los tramposos le hace señales a su compañero, mientras que el segundo alcanza detrás de su cintura unas cartas adicionales que están al acecho, con las yemas de sus dedos expuestas para que sea más fácil sentir las cartas "marcadas". Por el cuello de encaje y los puños con volantes de la marca queda claro que pertenece a una clase superior con su vestuario discreto en contraste con las llamativas rayas de los tarjeteros. Al oscurecer el ojo derecho del tahúr de la izquierda, su ojo visible adquiere un énfasis pronunciado; Podemos ver la pecaminosidad de la escena y la tensión entre los dos tahúres. En esta obra de arte, Caravaggio lamenta la pérdida de la inocencia. Aunque solo hay tres sujetos en la pieza, cada uno de ellos contiene una parte importante de la historia: el joven es engañado por el tahúr mayor y experimentado, con el tahúr más joven confabulándose y corrompiéndose en la escena.
Caravaggio bodegón con frutas fechado en 1603
Si bien sabemos poco de los primeros años de vida de Caravaggio, nació Michelangelo Merisi da Caravaggio, el 29 de septiembre de 1571, en Milán, Italia. Cuando tenía cinco años, su familia se mudó al campo para escapar de un brote de peste bubónica. En 1577, Caravaggio perdió a su padre, a su hermano menor, a sus abuelos paternos y a su tío a causa de la enfermedad. Su madre murió más tarde en 1584, justo después de que Caravaggio comenzara su aprendizaje con el pintor Simone Peterzano. Caravaggio en los años siguientes viajó a Venecia para ver las obras de Tiziano y Giorgione que fueron una gran influencia.
Alrededor de 1592, Caravaggio huyó a Roma tras su participación en un asesinato y posterior herida de un oficial de policía que investigaba el caso. Permaneció en Roma hasta 1606, trabajando como asistente del pintor de frescos Giuseppe Cesari pintando flores y frutas de fondo, siendo elogiado por su atención al detalle, algo que es claramente evidente en obras posteriores.
Aunque Caravaggio había llegado a Roma sin dinero, literalmente con la ropa puesta, asustado de que sus perseguidores le alcanzaran. Su trabajo con Cesari le permitió conocer a su futuro mecenas, el cardenal Francesco Maria del Monte. Si bien disfrutó de éxito y reconocimiento por pinturas como Amor Vincit Omnia, que completó en 1602.
En 1606 volvió a matar en una pelea callejera a otro joven, su antiguo amigo Ranuccio Tomassoni, y volvió a huir. Fue exiliado de la ciudad y los tribunales consideraron que cualquier ciudadano de los estados papales recibiría una recompensa por ejecutarlo.
Se cree que Constanza Colonna Sforza le concedió la entrada a Caravaggio a Nápoles, ya que Caravaggio tenía vínculos con la poderosa familia, aunque eran de las clases bajas, esta era una alianza influyente. Si bien se hizo conocido por su uso del claroscuro y el naturalismo radical, sus piezas posteriores mostraron experimentación con el color, en contraste con el uso de pinceladas rápidas de una paleta que presentaba principalmente rojo y marrón. A través de su relación con los Sforza, recibió el encargo de pintar varias piezas para iglesias, como la Virgen del Rosario y Las Siete Obras de Misericordia.
Caravaggio, La decapitación de San Juan Bautista de 1608
Caravaggio se mudó a Malta en 1607, y fue aquí donde su dramático estilo de vida lo llevó a la ruina. Aunque completó piezas importantes como La decapitación de San Juan Bautista, su pintura más grande, finalmente fue arrestado tras un altercado en la Iglesia Conventual de San Juan. Durante la pelea, un caballero resultó gravemente herido y Caravaggio fue capturado y encarcelado por los Caballeros en La Valeta. Increíblemente, logró escapar, pero sus honores artísticos fueron revocados por la Orden de los Caballeros de Malta, que lo expulsó por ser "un miembro asqueroso y podrido".
Tras una breve estancia en Sicilia, donde continuó experimentando con su técnica pictórica, Caravaggio regresó a Nápoles. Se cree que estaba siendo perseguido por enemigos, por lo que regresó al lugar donde tenía conexiones con la familia Colonna Sforza que podrían protegerlo. Sin embargo, no pudieron evitar una emboscada a Caravaggio que lo dejó con la cara cortada y heridas casi fatales. Se recuperó en el palacio de los Colonna, completando piezas como Salomé con la Cabeza de Juan Bautista y David con la Cabeza de Goliat. En 1610, regresó a Roma después de enterarse de que había obtenido el perdón papal.
No está claro qué pasó cuando regresó a Roma, sin embargo, se cree que fue arrestado por error y encarcelado. Sin embargo, murió dos días después de ser liberado y hasta el día de hoy no se conoce con certeza la causa de su muerte. Algunos creen que pudo haber padecido malaria, y muchos historiadores creen que murió de sífilis, mientras que otros creen que pudo haber sido atacado nuevamente por el mismo grupo que conspiraba detrás de su emboscada en Nápoles.
Puede que la obra de Caravaggio se haya visto ensombrecida por su explosiva vida personal, pero fue sin duda uno de los artistas más importantes de su tiempo, un maestro del claroscuro con fuertes contrastes entre luz y oscuridad que afectaron toda la composición de sus pinturas. El historiador de arte Gilles Lambert dijo que Caravaggio fue el padre del oscuro, que puso detalles de sombras en el claroscuro mucho más profundos de lo que se había visto antes. Si bien no inventó la técnica, la usó como elemento dominante bañando a los sujetos en rayos de luz que sumergieron el resto de la pieza en sombras oscuras.
Caravaggio, Juan Bautista fechado en 1603
Un buen ejemplo del claroscuro de Caravaggio es San Juan Bautista en el desierto. En esta obra podemos ver la figura de San Juan Bautista emergiendo de un bosque sombrío con el rostro y el cuerpo iluminados por un único rayo de luz dorada. Un rasgo común con su uso del claroscuro es que no vemos una fuente de luz, sólo la forma en que brilla sobre el sujeto.
Caravaggio, San Juan Bautista en el desierto de 1604
El desarrollo del claroscuro por parte de Caravaggio allanó el camino para una técnica conocida como tenebrismo. El tenebrismo también es conocido por su espectacular iluminación basada en el alto contraste del claroscuro. Lo habrás visto en las pinturas barrocas donde un foco ilumina al sujeto mientras el resto de la pieza está en oscuridad. A veces se confunde el claroscuro con esta versión más extrema del tenebrismo. Esta técnica, que deriva de la palabra italiana tenebroso que significa oscuro o sombrío, exagera el contraste de luz y oscuridad para crear una mayor sensación de dramatismo. Se distingue del claroscuro por su fondo negro muy oscuro o incluso plano, que separa al sujeto del entorno.
'Heratclitus II' de la exposición ' Rastvoyrennaya Pechal ', Triumph Gallery, Moscú, de 2013.
Aquellos lectores entre ustedes que estén familiarizados con mi trabajo, sin duda verán estas influencias hoy en el estudio conmigo. Usar el negro como base es por supuesto simbólico, el negro con colores atrevidos tienden a ser mis principales protagonistas. Utilizo el negro para crear la escena con tonos de oscuridad definitivos, para mí es un color tanto como el blanco, el bermellón, el amarillo limón o el morado, el negro técnicamente no es un color, no lo es, si se quiere, así que aquí está el interés apasionado por el negro. y color, vida y muerte, ser y no ser. Esto es particularmente difícil en la fotografía analógica, por eso desarrollé el proceso de trabajar bajo el agua en grandes volúmenes de agua negra que absorbe cualquier luz parásita, permitiendo aprovechar todo el efecto dramático del claroscuro.
En 2014, el profesor Andrei Tolstoi (1956-2016. Profesor de Artes en la Academia de las Artes de Rusia) afirmó: "La fotografía que duele con el resplandor dramático de Caravaggio, las figuras de Hamilton surgen de un pozo de potencial negativo, como si surgieran de las profundidades de el yo fugitivo. ' Mientras que en 2017, el curador y crítico Paul Carey-Kent escribió: 'La hazaña técnica más impresionante es lo claras y ligeras que parecen ser las figuras contra la oscuridad, generando un aura santa'. Ese uso dramático y moral de la luz es característico de Caravaggio.'
Utilizo el negro, un negro lo suficientemente profundo como para perderme, con el objetivo de ser un ejemplo genuino de expresión artística auténtica, no entrenada ni manchada por el academicismo, en busca de mi propia visión poderosa e incorrupta.
'Wicca in red' de 2014, de la serie ' Rastvoyrennaya Pechal ', Moscú 2014.
Impresión cromogénica única; 23,6 x 17,7 pulgadas / 60 x 45 cm.
Ahora que trabajo como artista al final de mi carrera, me he aislado del mundo para continuar destilando elementos de mis imágenes con el fuerte uso de negros profundos; con la esperanza de transmitir ricas capas de significado en lo que al principio parecen imágenes engañosamente simples.
La fotografía parece haber perdido el rumbo en nuestro mundo visualmente sobreestimulado. Su fuerza y su defecto es su reproducibilidad. Teniendo esto en cuenta, me provoca la idea de que una pintura es intrínsecamente más valiosa que una fotografía principalmente debido a su singular singularidad. Con ese fin, desde 2013 sólo produzco impresiones únicas en un intento de desafiar las ideas sobre la valoración espiritual y económica de las obras de arte y crear una tensión apasionante entre su presente individual y su pasado renunciado y reproducible.
Quiero que la fotografía vuelva a ser importante, está tan disuelta por las redes sociales y el Photoshop que ya rara vez miramos una fotografía; Quiero ampliar los parámetros de lo que es posible. La mayor parte de la fotografía que nos rodea estos días suele simplemente mirarse, rara vez se mira.
Trabajando con equipos de cámara analógica y sin postproducción, esta dedicación de toda la vida a la pureza en la cámara establece su origen cuando se combina con un minucioso trabajo preparatorio.