NB... esta conversación tuvo lugar entre julio de 2020 y agosto de 2021.
Emma Coccioli es la autora de ' Animae' Entrevistas a artistas, 2018
publicado por Vernon Press, EE. UU.
Puede descargar un PDF ricamente ilustrado de este artículo como trabajo de investigación aquí .
'Placa sin título 1136' de ' Fusion ' con fecha de 2020
EC - Tus esferas florecientes son literalmente maravillosas. A primera vista me quedé asombrado por la belleza de estas extrañas "criaturas" que parecen pertenecer a nuestro entorno familiar y al mismo tiempo haber sido arrojadas del cielo por unos gentiles extraterrestres. Poco después percibí algo arcano en ellos y comencé a preguntarme qué nos estaban diciendo. Cada uno es diferente del otro, ¿y tal vez cada uno tenga un mensaje ligeramente diferente para nosotros?
AJH - Todas estas obras se centran en un tema: reforzar la creencia de que la sociedad necesita un despertar espiritual con la naturaleza de la que nuestro futuro es codependiente: la esfera que representa la madre tierra. Como forma geométrica desde todas las direcciones, representa para mí el infinito, el artista holandés Maurits Escher, que vio un plano infinito en la superficie de la esfera.
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Escher trabajando en Sphere Surface con Fish en su taller, finales de los años 50
También representa la unidad, la plenitud y el universo. El medio ambiente y nuestra invasión de él ha sido un tema constante que he explorado en mi trabajo durante más de tres décadas.
Me fascina el concepto de los miles de millones de eventos específicos que nos llevaron a estar aquí, cómo la naturaleza evoluciona continuamente a nuestro alrededor.
Aquí estas formas florales son muy diferentes. Desde aquellos que parecen estar pariendo y dando luz, hasta aquellos que están al borde mismo de la vida misma, al final; forma cambiante. Me recuerda el momento que cada uno de nosotros tenemos aquí y ahora; ya que la vida se renueva continuamente, cada momento es muy diferente al anterior.
Para mí, esta es una exploración importante de cómo presentar una forma tan llena de belleza y, sin embargo, en un punto de tragedia simultánea; la forma en que estamos destruyendo el aire y contaminando nuestros ríos y océanos a un ritmo cada vez mayor en actos de ecocidio y pura estupidez en todo el país y el continente.
Cada uno de ellos es único. Tienes toda la razón, Emma; como de hecho lo somos y la de nuestra experiencia aquí en la tierra, con esa singularidad de nuestra propia creación viene la responsabilidad de que cada uno de nosotros, a nuestra manera única, reduzca nuestra huella para no perjudicar la experiencia de aquellos que vendrán después de nuestra existencia. ha pasado.
Creo que ahora es el momento de que comience el movimiento por los derechos civiles de nuestra generación. Hacer rendir cuentas a las 100 empresas que están causando el 71% de la contaminación mundial con fines de lucro. Las estrategias actuales de relaciones públicas corporativas tienen como objetivo lograr que nuestro propio estilo de vida sea más ecológico; Necesitamos responsabilizarnos de lo que están haciendo y que la culpa inteligente nos impulse al cambio, mientras ellos siguen exactamente iguales.
Ahora es el momento de actuar, no de consumir a ciegas.
'Placa sin título 8080' de ' Fusion ' de 2009
EC - Después de perderme en la contemplación de las esferas florales, también me intrigó el misterio de su creación técnicamente hablando. ¿Crees que podrías darnos algunas pistas?
AJH - Todas las flores son cultivadas en estudio a partir de especímenes antiguos y específicos de Allium (cebolla) históricamente cultivados desde las primeras edades de la humanidad. Esta especie en particular me intriga ya que es la actividad humana la que está causando tantos actos de ecocidio, el marco temporal de El cultivo de cebolla y la interferencia humana en el mundo natural parecen estar en armonía desde una perspectiva cronológica. También tiene una forma hacia la que me siento atraído; el de muchos elementos más pequeños que se forman en una forma esférica que alguna vez fue compleja.
También introduzco otras formas de la esfera en la serie, desde superficies de espejos circulares hasta formaciones de agua, todas ellas incluidas en el proceso de experimentación que creó estas obras; todos ocurren en cámara. No hay postproducción de ningún tipo en estas obras aparte del recorte en la etapa final de impresión en el cuarto oscuro.
'Placa sin título 01520' de ' Fusion ', fechada en 2020.
Las chispas de energía provienen de una mezcla de limaduras de metales volátiles molidas como perclorato de potasio, titanio, aluminio y magnesio. Utilizo un medio de retención que puede ayudar a retardar o excitar el proceso. También he utilizado una chispa eléctrica de bajo voltaje/alto amperaje; pero a medida que la escala del proyecto se desarrolló, se volvió demasiado peligroso en un tanque de aguas negras. Se están probando cosas tan locas en el estudio... cosas nuevas que se desarrollan continuamente: ¡parece que volvemos a nuestra cebolla en capas!
EC - ¿ Las ideas e intenciones originales que tenías cuando concebiste el proyecto 'Fusion' y empezaste a trabajar en él han sufrido algún cambio?
AJH - Estos temas han sido un tema recurrente en mi trabajo durante más de 30 años, que siempre ha girado en torno al tema del mundo submarino, la sostenibilidad y el ecocidio. La protección de las aguas globales está presente en todas mis obras. El agua es el nuevo petróleo. y su mercantilización en todo el planeta está en marcha. Comencé esta serie en 2010 y volví a visitar el proyecto en el décimo aniversario. Mi razonamiento inicial brilla cada vez más. Las obras fueron creadas como reacción contra el incidente de BP Deepwater Horizon donde 5 millones de barriles de petróleo se vertieron en el Golfo de México el 20 de abril de 2010. El chorro que quedó después de que explotó la plataforma petrolera Deepwater Horizon y se hundió. Todavía se está filtrando hasta la fecha .
Gran parte de mi trabajo está en contacto directo con el medio ambiente, desde mis muchos años trabajando bajo el agua en arrecifes de coral hasta la soledad de mi particular estilo renacentista de práctica de estudio. Mis proyectos me han visto viajar de manera de bajo impacto, como expediciones prolongadas en kayak, vivir y trabajar solo en los bosques de Siberia o en remotas islas desiertas generando mi propia agua y energía usando solo el sol; reduciendo mi huella en cada etapa posible. Esto me ha permitido ver de primera mano el efecto devastador que la humanidad está teniendo en el mundo natural. Siempre he tratado de explorar estos temas a través de intervenciones positivas de manera armoniosa.
En la serie ' Visiones desde la costa ' documenté las islas que parecen joyas en los atolones de las Maldivas durante un período de 30 años, incluidas creaciones por encima y por debajo de la línea de flotación. El cambio en estos lugares que he visto en mis tres décadas trabajando en estas islas es muy dramático; pero a través de este trabajo tal vez exista la posibilidad de interpretar los datos de manera positiva. Aquí buceo en apnea y recolecto detritos de los arrecifes de coral y creé una colección de textos, cartas y PolaGram y PhotoGrams sin cámara creados en placas de película de gran formato, un proceso inaudito en la actualidad. Una vez más, utilizamos únicamente el sol y las intervenciones naturales para explorar este hilo común. El proyecto incluyó el envío de más de 150 cartas con PolaGrams dentro de los sobres, estas fueron enviadas a ambientalistas, líderes políticos, periodistas y editores. en todo el mundo para crear conciencia sobre el proyecto y el empeoramiento de la situación de nuestros océanos.
PolaGram 5 * 4 pulgadas No. 002-01, Latitud 5.064201 Longitud 72.857167 y extracto de letra Baa Atol, 2017.
Este proyecto en particular durante un período completo de 30 años ha cerrado recientemente para mí el estatus de círculo completo, con la apertura en julio de 2021 de ' Makers Place '. La primera instalación de reciclaje de plástico y aluminio con neutralidad de carbono en las Maldivas. El edificio está diseñado y terminado y las máquinas hechas a medida, todas construidas a mano para sobrevivir a una difícil vida laboral en la isla; ahora están en pleno funcionamiento. Esto fue posible trabajando con la Fundación Soneva Namoona, que compró una colección completa de obras de arte donadas y el 100% de los fondos se destinaron directamente a financiar la finalización de este primer vestuario comunitario.
La instalación es un estudio de artistas donde la producción ya ha visto operaciones de limpieza de islas del área para traer más materias primas, envases de un solo uso para renacer en un final de vida mejor que simplemente ser arrojados al océano, enterrados o peor aún quemado. Es una situación terrible para las pequeñas naciones insulares y estoy orgulloso de poder ayudar. Aquí está la primera escultura del estudio titulada ' Beber menos ', cada una está hecha de más de 200 latas de coca cola para limpieza de playas.
' Bebe Menos ' hecho con latas de aluminio recicladas de coca cola para limpieza de playas
Entonces, para responder completamente a tu pregunta, creo que no. No ha habido cambios en los 11 años que me tomó desde el principio hasta el final en este proyecto Fusion, es la misma conversación; Simplemente creo que tengo un vocabulario más amplio a mi disposición a medida que mi conocimiento del estudio continúa ampliándose. La introducción de agua y vidrio fue el único cambio técnico.
EC - El sol, creador de la vida en nuestro planeta y presencia transfigurada en el corazón de estos microcosmos florales, está también indisolublemente ligado a nuestra experiencia de la caducidad, tema que inspiró a poetas de todos los tiempos en todo el mundo. A mí, italiano, me vienen inmediatamente a la mente dos espléndidos poemas nacidos en nuestra tierra de sol, ambos, paradójicamente, con un tono crepuscular. El primero de Catulo – aquí en la versión de Sir Walter Raleigh – se remonta al Imperio Romano:
El sol puede ponerse y salir, pero nosotros, por el contrario, dormimos, después de nuestra breve luz, una noche eterna.
El otro, Ed è subito sera, de Salvatore Quasimodo, es dos mil años más joven:
Cada uno está solo en el corazón del mundo atravesado por un rayo de sol,
y de repente es de noche
Volviendo a tu trabajo, ¿puedes recordar algún poema de tu entorno que pueda haberte influido hasta cierto punto?
AJH - Mis manos y mi mente siempre están demasiado ocupadas en el estudio como para tomarme el tiempo de leer todo lo que me hubiera gustado a lo largo de los años. Sin embargo, creo que la música me ha ayudado a llenar ese vacío; Mi trabajo está muy inspirado en maestros clásicos como Jean Sibelius y Franz Listz. Siempre tengo música puesta en el estudio, pero nunca música con letra. Disfruto de los paisajes espaciales que la música puede crear. Maestros modernos como Ryuichi Sakamoto son habituales para ayudarme a experimentar una amplia variedad de emociones poderosas durante las largas horas de soledad del trabajo monástico.
Gracias por recordarme las obras de Sir Walter Raleigh, refresqué mi memoria después de leer su pregunta, pero uno de esos poemas que me viene a la mente es Dante Alighieri, Paradiso “Amor, que mueve el sol y las otras estrellas”. Me alegro de tener ese pensamiento cerca.
Estoy perdidamente enamorado de un recuerdo. Un eco de otro tiempo, de otro lugar.
La teoría del agujero negro y la materia oscura se explora creándola 'en cámara'
La luz, la energía y la materia son atraídas por la enorme atracción gravitacional de esta esfera.
presentado como rodado sin postproducción ni efectos especiales, de 'Fusion', con fecha de 2021.
'Placa sin título 01566', de ' Fusion ' con fecha de 2020.
AJH - Creo que mis primeros experimentos submarinos claramente dejaron en mí una impresión duradera, que todavía resuena constantemente hasta el día de hoy. Muchas de estas primeras instalaciones submarinas estaban muy lejos de la costa y era difícil nadar hasta ellas, por lo que se utilizó la fotografía para arreglar y ampliar el trabajo para permitir que otros accedieran a su razonamiento. La decisión de que el agua sería mi medio como artista estaba firmemente arraigada en aquellos primeros días; Era un trabajo difícil y a menudo peligroso. Buceo en apnea solo en alta mar y en inmersiones más profundas, con materiales que lucharían conmigo en su intento por mantenerse a flote, con recepciones curiosas y a menudo hostiles por parte de los residentes submarinos saludándome abajo. Durante este período buceé exhaustivamente muchas veces al día, lo que a lo largo de los años ha dejado su huella en este entorno espacial tan cautivador.
Seguramente esto debe superponerse a ' Fusión ' con su referencia al infinito y las maravillas del mundo natural. Las imágenes del espacio continúan ampliando nuestro conocimiento del universo y me inspiran continuamente a ampliar lo que es creativamente posible; una nueva forma de presentar una conversación antigua.
EC - La redondez caracteriza a tus 'criaturas'. ¿Por qué esta elección? ¿Quizás porque la forma circular alude a la idea de ciclicidad de los procesos en todos los ámbitos principales de la realidad, desde la naturaleza y la historia hasta la existencia humana? De hecho, muchos pensadores y artistas creyeron en el “eterno retorno” desde la antigüedad, y en tiempos más recientes, ante los nuevos desarrollos de la termodinámica que implicaban la muerte térmica del universo, Frederich Nietzsche reformuló la idea a su manera. Un famoso pasaje de The Gay Science dice: “El eterno reloj de arena de la existencia se pone patas arriba una y otra vez y tú con él, ¡mota de polvo!». El pintor Edvard Munch compartió una visión igualmente sombría, simbolizada por la mandrágora o "flor de sangre", representada en su cuadro La flor del dolor. Al mismo tiempo, algunos dicen, incorporando la ley de Lavoisier: “Nada se crea, nada se destruye, todo se transforma”, estas formulaciones filosóficas-artísticas expresan el amor fati, el amor del destino y el de la vida que se repite infinitamente. sí mismo. ¿Reconoces algún sentido en estas conexiones?
AJH - Sí, amor del destino, nunca antes había pensado en la mandrágora de Edvard Munchs. Sí, por supuesto, para mí es una creencia que nada muere nunca, es simplemente energía que se mueve de una forma o lugar a otro. Un principio básico del universo. Con la pérdida o el dolor, todo lo que sientes en tu interior puede transformarse. Por supuesto, es un tema fuerte presente en mi trabajo y un tema explorado a lo largo de la historia del arte; De hecho, su exploración puede conducir a caminos no transitados y a conclusiones dolorosas. O puede transformarse en vitalidad renovada a través de tu trabajo. El destino y su círculo interminable, para mí la definición de mi éxito sería el tiempo... tiempo de completar el trabajo y hacerle justicia.
En mis trabajos de fotografía analógica, me entusiasma la perspectiva de una imagen pura, intacta una vez expuesta; todo está muy editado estos días; la atemporalidad sólo puede venir de la pureza.
Estas obras no tratan de las simples emociones que nos suben y bajan cada día, son las emociones eternas y recurrentes que todos los seres piensan sobre la muerte, el coraje y el éxtasis. Quiero que estas obras te transmitan estas emociones con absoluta claridad. Congelar el reloj de arena predestinado de Frederich Nietzsche sólo por un momento perfecto para capturar ese sentido de expresión en la forma más pura posible.
Puede que las arenas se estén acercando detrás de ti, pero pierdes el tiempo mirando hacia atrás, no te estás moviendo en esa dirección.
EC - Mientras que según las teorías dominantes -Big Rip, Big Freeze o Big Crunch- el Sol, la Tierra y el universo están condenados a desaparecer, al menos un importante físico, Alan Guth, sostiene una hipótesis más "optimista" , es decir, que el proceso que dio vida al universo en el que vivimos pueda comenzar de nuevo. Pero de una forma u otra, en cualquier caso, esta naturaleza y este mundo físico que conocemos tarde o temprano se desvanecerán en la nada. Conociendo su profunda preocupación medioambiental, transmitida también en su trabajo, me pregunto si una conciencia despierta de que todo seguirá existiendo bajo una nueva forma es compatible con la lucha por la conservación del medio ambiente existente o va en su contra, debilitando nuestro efectivo. Me gustaría saber tu opinión.
AJH - Es una pregunta interesante la que planteas, la de si mis intervenciones para proteger la corriente están de hecho afectando negativamente el futuro propuesto. La teoría está ahí para que una mente atribulada surja al reflexionar sobre tales pensamientos. Pero luego recuerdo la belleza de los fenómenos naturales y cómo se desarrollan, a veces con consecuencias terribles a corto plazo, como incendios forestales o inundaciones profundas; pero luego le sigue de cerca una oleada de vida. Estos, como acontecimientos naturales, se desarrollan sin intervención humana. Es un conjunto completamente diferente de dinámicas el considerar un suelo de bosque lleno de plástico u otros detritos o los ríos que se desbordan sin vida debido al agotamiento del oxígeno inducido por la contaminación o a los desechos químicos disueltos y los detritos flotantes. Estos no son eventos naturales, no están en armonía con eventos universales; de hecho, están debilitando nuestras fuerzas y nuestra experiencia con la extinción de especies y la aparición de zonas rojas dentro de nuestro entorno por todas partes, lugares que son demasiado tóxicos para ir, no No caer en las teorías del Big Rip/Bang/Freeze en lo más mínimo.
EC - La fragilidad y la fugacidad han sido representadas a menudo en la historia del arte, desde Caravaggio hasta Bacon, por citar sólo dos grandes protagonistas del pasado. Entre los contemporáneos, lo primero que me viene a la mente al pensar en la creación y la destrucción es el trabajo con fuego de Yves Klein. ¿Hay algún artista que haya abordado este tema de forma original y que de alguna manera te haya inspirado?
AJH - Caravaggio ha sido una inspiración notable para mí como creador del primer bodegón importante, 'Cesta de frutas', la pura belleza de su uso de formas ligeras y elegantes, el color y los detalles revelan cada vez más. Sus obras figurativas exploraron y desarrollaron el estilo del tenebrismo que condujo en años posteriores al claroscuro, donde las revelaciones dramáticas del negro se convierten en un tema dominante. 'La toma de Cristo', por ejemplo, o 'Judith decapitando a Holofernes', la intensidad de estas pinturas existe con tanta audacia como gracias a los mismos negros de donde provienen. El negro está tan lleno de potencial que el negro es el color dominante del universo; todas las cosas provienen de él. Es un elemento claro y sorprendente a lo largo de mi trabajo a lo largo de las décadas. de Vanitas puedo recordar 'Grace ', la riqueza de estas flores de época vuelve a cobrar tanta vida debido al agua negra más profunda en la que están representadas. Una vez que se toma la fotografía y se revela la placa analógica, la escena se destruye inmediatamente. siendo el único registro documental de que haya tenido lugar.
'Grace' de 2010 de la serie Vanitas 2008 - En curso . Impresión cromogénica 200 x 150cms Artist Proof.
Durante mi estancia en Londres, la artista estadounidense Nancy Fouts también me influyó mucho. Si estás familiarizado con su trabajo sabrás la visión lúdica que tenía del mundo; dando origen a nuevas ideas a través de la reinterpretación de objetos domésticos cotidianos utilizando la fragilidad y la fugacidad como clave de sus temas lúdicos. Esto, junto con sus increíbles habilidades de estudio, le permitió hacer realidad cualquier idea, independientemente de los materiales elegidos, y fabricarla ella misma. . Esto me influyó mucho, ya que conocer y experimentar cómo trabajaba Nancy en el estudio me dio la confianza para explorar todos los materiales y procesos que pudiera. En este momento en el estudio hay muchísimos materiales nuevos en varias etapas de producción, desde escultura, pintura, modelado e impresión con escaneo 3D, construcciones electrónicas hasta proyectos de fundición de aluminio y bronce. Si bien es un momento muy emocionante, está muy lejos de haber trabajado durante tanto tiempo exclusivamente con fotografía analógica.
El enfoque de mi estudio se mueve con fragilidad y fugacidad como obras, como pelotas de ping pong con sabor ácido que rebotan y chocan en el espacio. ideas, objetos y textos se colocan constantemente uno debajo o dentro de otro. Superponiendo, doblando, reconfigurando y examinando los resultados, los resultados fueron simplemente reinsertados en el proceso, un artefacto único evolucionando hacia otro. El tiempo mismo se plegó a medida que se registraba la historia de cada obra de arte.
Una vez creado, su tema se destruye inmediatamente al moverse rápidamente en otra dirección. Creo que esto nos devuelve a esa cebolla, que constantemente despliega nuevas capas.
EC - Estos efímeros globos florales tuyos son asombrosamente hermosos. Pero incluso el tierno diente de león común y corriente que soplamos está lleno de gracia encantadora. De todos modos, la belleza de las cosas impermanentes, o la impermanencia de las cosas bellas, siempre se ha celebrado de muchas maneras, pero tal vez haya un viejo poema conmovedor que lo dice todo, al menos para mí. Fue escrito en 1599 por François de Malherbe para consolar a un amigo por la pérdida de su pequeña hija.
Pero ella era del mundo donde las cosas más bellas tienen el peor destino;
Y resucitó como era, vivió lo que viven las rosas,
El espacio de una mañana. (“Consolación al señor du Périer”)
¿Podrías revelarnos qué versos, palabras o imágenes están consagrados en tu mente en relación con tu experiencia o sentimiento?
AJH - La pérdida es un tema recurrente en mi trabajo y fue explorado dolorosamente en 'Testigo' de ' Un hermoso anuncio de muerte ' de 2011-2012. Personalmente, encontré la exposición muy difícil de completar y realmente no suelo hablar más del tema, creo que estas obras representan perfectamente mis emociones de la experiencia junto con el diálogo de Gertrudis de Hamlet de Shakespeare....
Allí, en las ramas colgantes, sus hierbas de corona
Al trepar para colgarse, una astilla envidiosa se rompió.
Cuando bajó sus trofeos llenos de maleza y ella misma
Cayó en el arroyo que llora.
Su ropa se extendió ampliamente,
Y como sirenas por un rato, la sostuvieron.
Esa vez cantó fragmentos de viejas melodías,
Como alguien incapaz de su propia angustia,
O como una criatura nativa y dotada de
ese elemento. Pero por mucho tiempo no podría ser
Hasta que sus vestidos, cargados de bebida,
Sacó a la pobre desgraciada de su melodiosa canción.
A la muerte fangosa.
Estos mismos sentimientos están germinando a mi alrededor todos los días en la naturaleza, con eventos de nacimiento y muerte que se forman continuamente en todos los planos de la experiencia. Puedes ver estos hilos tejiéndose continuamente a lo largo de mi trabajo a lo largo de las décadas.
'Testigo' Ofelia mártir.
de ' Un hermoso anuncio de muerte ' Fechado en 2012.
Impresión cromogénica 180 cm x 135 cm Edición de II.
enmarcado detrás de la conservación del museo acrílico a/r y u/v 'cómodo' enmarcado en nogal americano.
EC - El humo que emana de las flores es otro elemento recurrente en algunas de tus obras aludiendo sutilmente, quizás, a una fase temprana de destrucción, mientras que Adam Fuss, por ejemplo, lo convierte en el único personaje gigantesco de una de sus series. Al no ser, de hecho, un agente sino un subproducto de la destrucción, en la visión artística el humo se convierte principalmente en una metáfora y una especie de mensajero del fin en marcha. Con esto en mente, no puedo evitar pensar en la poderosa escena inicial de la película Apocalipsis ahora con nubes humeantes elevándose y envolviendo el vasto bosque de palmeras mientras los Doors cantan su trágica y encantadora canción The End. Y luego está el polvo, una fuente inagotable para artistas y poetas... Y para ti, ¿hubo alguna sugerencia especial, y de qué musas, en la creación de Fusion?
AJH - Para mí, el humo es un signo emblemático de energía que transfiere material a una forma completamente nueva, como una mariposa. Creo que nada muere nunca, es solo energía que se mueve de una forma a otra. El cadáver en el suelo alimenta la vida que lo rodea. la quema de material hasta convertirlo en humo, la energía se mueve constantemente. Intento siempre que el flujo de trabajo del estudio tenga el mismo flujo natural de energía. Una forma o creación se transforma en otra a medida que cada material, lienzo, placa de película analógica, se superpone entre sí para llevar la obra a un territorio nuevo e inexplorado. Me gusta trabajar de esta manera; sin saber lo que hay a la vuelta de la esquina. Tuve una larga discusión con la escritora Elouise Stephens sobre este tema en el 'estudio como laboratorio ' y cómo ella veía esta metáfora en funcionamiento...
'Placa sin título 8502' de ' Fusion ', fechada en 2009.
Debo confesar que también estoy fascinado y busco constantemente lo último en imágenes de investigación basadas en la ciencia y la naturaleza. Para mí, estos sirven como base para nuevas formas de interpretar hilos de pensamiento específicos y recurrentes; por ejemplo, los maravillosos recursos disponibles en línea con la Nasa, incluidas las imágenes recientes de Caseni que he estado estudiando de cerca, por supuesto, hace 10 años exploré Fusion puramente con esferas florales, las nuevas obras definitivamente parecen más "interestelares en su forma" y ciertamente puedo En mi opinión, atestiguo que sus orígenes surgen de estas nuevas imágenes científicas de exploración.
Por ejemplo, debajo de las Montañas de Hielo en los anillos exteriores de Saturno se calcula que tienen más de 5 kilómetros de altura y simplemente flotan en el espacio mantenidos en esta increíble formación y configuración geométrica orbital. En este momento nos llegan muchas imágenes e información nuevas y emocionantes; estos sin duda han sido una base y fuente de inspiración en estos nuevos trabajos. Como especie, actualmente tenemos dos países (China y EE. UU.), ambos con vehículos de laboratorio de análisis móviles que exploran Marte y ambos están equipados con sus propios sistemas de drones con conjuntos de cámaras extensos y muy avanzados. Ser los primeros humanos en ver estas imágenes en detalle no puede ser subestimado para mí en el estudio.
Aquí vemos las montañas de hielo verticales, que se encuentran entre las más altas vistas en los anillos principales de Saturno.
Las imponentes formaciones de hielo se elevan abruptamente a 5 kilómetros de altura desde el borde del anillo B de Saturno para proyectar largas sombras en el anillo interior que se utilizan para calcular su tamaño con precisión.
Lo es una de las 79 lunas que orbitan alrededor de Júpiter, vista aquí con el vasto telón de fondo de su planeta padre.
Esta imagen fue tomada durante la aproximación más cercana de la nave espacial Cassini a Júpiter en su camino hacia una órbita permanente alrededor de Saturno.
Aunque Io parece muy cerca del enorme planeta, en realidad tiene más de 2,5 veces el diámetro de Júpiter desde las cimas de las nubes que se muestran detrás de él. Ío tiene aproximadamente el tamaño de la luna de la Tierra y tiene volcanes muy activos.
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