Alexander James Hamilton se ha ganado la reputación de ser alguien que trabaja en uno de los estudios de estudio más exigentes de la actualidad. La última vez que hablamos con el artista , nos explicó su atracción por el agua, un medio para la fotografía, y cómo sirve como efecto especial analógico en su trabajo. Para cada una de sus fotografías mágicas y de otro mundo, crea todo lo que ves "en la cámara", lo que significa que primero tiene que existir en la vida real.
Ha llevado sus fotografías pictóricas aún más lejos al controlar estrictamente su producción, permitiendo solo una impresión de cada imagen e imposibilitando ediciones posteriores. Aquí, nos ponemos al día con el artista sobre su última serie y cómo surgió su actual exposición individual “ Death of the Dream ”.
ARTNET: Cada obra de arte de su última exposición, “ La muerte del sueño ”, es completamente única. ¿Qué te hizo decidir crear piezas únicas y únicas, en lugar de ediciones?
AJH: La fotografía parece haber perdido el rumbo. Estamos tan sobreestimulados visualmente con una saturación de imágenes en el mundo digital, liderando la carga. Las fotografías en general se utilizan para politizar un tema o vendernos algo: la comida puesta en la mesa en la revista luciendo tan perfecta, el escondite en la playa en el cartel sin ni siquiera una sola mancha o pisada en la arena. La fotografía se ha convertido en una mentira; tanto en su propósito como en su creación con un mercado lleno de profesionales que modifican y cambian sus obras originales por algo distinto, completamente distinto (siempre examinado, rara vez examinado) mientras los pilares de su procedencia se desmoronan debajo de ellos. ¿Por qué deberíamos mirar [una fotografía] cuando sabemos que no se debe creer?
Muerte del sueño de la democracia, Lámina 0180 (2017).
En mi opinión también las ediciones han ensuciado el agua. Recuerdo una conversación particular con un curador, de hace diez años, en la que se escudriñó la capacidad reproducible de la fotografía, su fuerza y su fracaso. Me provocó la idea de que una pintura es intrínsecamente más valiosa que una fotografía, principalmente por su singular singularidad.
Para contrarrestar esta percepción, anuncié públicamente en 2013 mi intención de producir únicamente obras únicas a partir de ese momento (sin publicar ninguna edición) en un intento de desafiar las ideas relativas a la valoración espiritual y económica de las obras de arte y crear una tensión excitante entre su presente individual y su pasado renunciado y reproducible.
ARTNET: A menudo utilizas la metáfora de la “pureza ante la cámara” en tu arte. ¿Qué te hizo interesarte en explorar este concepto?
AJH: “En cámara” o “fotografía pura” capturada en placas de película de celulosa analógicas: hay una belleza elocuente y orgánica en la forma en que representa el mundo. Una cámara digital no entiende a qué apunta, no ve color ni historia. Simplemente convierte la luz en código binario, que luego se transforma nuevamente en otro dispositivo en lo que cree que deberían verse estos códigos en color o en blanco y negro. Desde el principio, hay una computadora o un algoritmo que toma estas decisiones por usted. Sólo quiero el proceso natural de la luz en la película y dejarla a la deriva en un océano cáustico de sustancias químicas para convertir el momento en una cápsula atemporal; estas son mis cápsulas del tiempo para el mundo; la única diferencia es que, a diferencia de Andy [Warhol], elijo conservarlos como recordatorio de lo que fue.
Transparencia de un sueño no. 13 (2014-2017).
El cine y la “pureza en la cámara” sólo pueden ser una verdadera fuerza para sobrevivir a los cambios de tendencias que van y vienen, y resistir la prueba del tiempo cuando su procedencia se apuntala con un minucioso trabajo preparatorio. He trabajado durante años en una sola pieza y, sin embargo, es posible que solo se haga referencia a ella como una fotografía. Me enorgullece la convicción incuestionable en lo que estoy haciendo.
Los coleccionistas que tengo a menudo se refieren a sus piezas como pinturas. Quizás ese sea el elogio más grande que podría recibir: es indistinguible de una pintura y, sin embargo, no lo es.
ARTNET: Tu práctica de estudio implica más que fotografía. ¿Puedes explicar tu proceso?
AJH: Todo lo que ves en cualquiera de mis obras tenía que existir físicamente frente a la cámara. Ya sea que veas mariposas o flores, fueron criadas y cultivadas en el estudio, los vestidos de seda están delicadamente cosidos a mano y los accesorios hechos a mano utilizando métodos tradicionales. Cada elemento de mis obras debe cobrar vida físicamente antes de que pueda siquiera comenzar a considerar el lienzo que luego crearé bajo el agua.
La cámara es el equipo más polvoriento del estudio. Recuerdo Gracia desde el Vanitas serie, que tardó un año entero en producir todos los componentes. El taburete fue girado a mano, la vasija de terracota arrojada y cocida en el estudio, y las flores (todas específicas del período 1640-1720) fueron cultivadas en el techo de mi estudio. Luego solo expuse dos placas de película de veinte por veinticinco centímetros antes de destruirlo todo con un martillo. Estas dos placas de película, después de un año de arduo trabajo, me definen como fotógrafo, ya que esta es la ejecución final en la pared.