Una guía para ayudarle a empezar a coleccionar fotografías de bellas artes y su potencial de inversión

Invertir en fotografía artística ofrece una oportunidad única de combinar la apreciación cultural con posibles ganancias financieras. Después de más de 170 años de existencia, la fotografía ha surgido como un medio de expresión esencial en las artes, las humanidades y las ciencias. Ya sea como documento, metáfora, evidencia o ficción, las fotografías desempeñan un papel activo en nuestra comprensión de nuestro pasado, presente y futuro. En el siglo XXI, el arte de la fotografía está disfrutando de una apreciación sin precedentes.

Las fotografías se han coleccionado desde su invención. Sin embargo, con el creciente número de artistas que hoy en día las utilizan como su medio principal, la fotografía se ha convertido en una bella obra de arte coleccionable al igual que las artes más tradicionales, como la pintura, la escultura y el grabado.

Las oportunidades para iniciar una colección de fotografías nunca han sido tan grandes. Se siguen haciendo nuevos descubrimientos de material histórico. Hay más exposiciones y libros de mejor calidad disponibles que nunca, tanto impresos como en línea. La cantidad de recursos para adquirir fotografías sigue creciendo en todo el mundo.

Esta guía está pensada como una herramienta de referencia para aquellos interesados ​​en adquirir fotografías de calidad. Su objetivo es responder a preguntas comunes y proporcionar un recurso para obtener más información y comprensión. Al final, encontrará un glosario completo de términos utilizados para definir la fotografía y sus medios.

Imagen cortesía iPad

Si bien muchas fotografías resultan ser buenas inversiones, nunca se garantiza un aumento de valor, especialmente si no se investiga bien. Hay muchas consideraciones importantes que se deben tener en cuenta. Cuando se esté considerando una compra, trate de familiarizarse con el trabajo del fotógrafo a través de libros y visitas a galerías, ferias de arte y museos de renombre. A partir de ahí, puede tratar de comprender la importancia de una sola imagen dentro del contexto de un conjunto más amplio de trabajos.

En el caso de las obras más antiguas, aprenda sobre la importancia del fotógrafo en la historia de la fotografía y las contribuciones técnicas o estéticas que ha realizado. En el caso de las obras contemporáneas, considere la posición del fotógrafo, su historial de exposiciones, su atractivo para la crítica, su experiencia técnica y su potencial para un impacto duradero y significativo en el campo.

Tenga en cuenta la calidad de la impresión, así como su rareza, estado y procedencia. Estudie el historial de precios de la obra del fotógrafo. Un comerciante de confianza puede ofrecerle consejos inestimables sobre el potencial de inversión de una obra. Pero lo más importante es que compre una obra con la que se sienta identificado, porque, teniendo en cuenta todo, es posible que no se revalorice. Sin embargo, si el artista tiene un compromiso duradero con su oficio, es probable que su inversión sea muy rentable y, al mismo tiempo, le aporte placer diario.

Para aquellos que son nuevos en Distil Ennui Studio, mi nombre es Alexander James Hamilton y soy artista y coleccionista. Creé esta guía para ayudarlos en su camino, con algunos consejos que pueden ayudarlos a tomar decisiones.

' Morpho Amathonto 0220 ' de la serie ' Enjambre ' 2008-2013

Cómo predecir qué fotógrafos tendrán éxito.
Muchos artistas reciben su mayor reconocimiento en una etapa avanzada de su vida o de manera póstuma. Si un artista ya es muy conocido, su obra se venderá a precios más altos debido a la exposición, la reputación y el rendimiento del mercado. Es difícil predecir el éxito de los artistas contemporáneos o de los recientemente redescubiertos del pasado. El grado en que se ha publicado y exhibido la obra es un indicador de que el futuro de un artista parece prometedor. La atención de críticos reconocidos también ayuda a identificar un talento en ascenso. Debe examinar tantas copias como sea posible en busca de cualidades como la innovación, la coherencia y la seriedad de las intenciones. Sin embargo, la popularidad actual o prevista de un artista no es el mejor criterio para decidirse a realizar una compra. En cambio, sus propias experiencias e instintos, junto con los conocimientos que pueden proporcionar los comerciantes de confianza, serán sus guías más fiables.

Cómo determinar el valor de una fotografía.
Las fotografías, como cualquier otra obra de arte o artículo de colección, se valoran en función de sus cualidades de experto, la oferta y la demanda en un momento determinado y lo que el mercado pueda soportar en términos de precio. Factores como la reputación del fotógrafo o el tema de la obra, su rareza, su importancia histórica, el medio, el estado, la procedencia, el tamaño de la edición, la fecha de impresión y la calidad ayudarán a determinar la respuesta del mercado. Las ventas recientes comparables de obras iguales o similares, tanto en forma privada como en subastas, pueden ayudarle a decidir cuánto pagar.

Tenga en cuenta que las fotografías se parecen más a las pinturas que a las impresiones de los artistas, ya que la variedad de impresiones fotográficas producidas a partir de un único negativo suele variar ampliamente. Esto es especialmente cierto en el caso de las fotografías creadas antes de la década de 1970, que fue la llegada del mercado de la fotografía tal como lo conocemos hoy. Las obras contemporáneas ejecutadas en ediciones suelen tener una homogeneidad notable y pueden ser indistinguibles dentro de la edición. Una práctica común entre los artistas contemporáneos que afecta al precio de las ediciones es emplear un aumento de precio gradual para que los números anteriores de la edición tengan un precio más bajo. Los coleccionistas deben tener en cuenta que no existen reglas fijas para valorar una fotografía. Un comerciante de confianza puede ayudarle a comprender las tendencias en el coleccionismo de fotografías y cómo ha variado el mercado para un fotógrafo o género en particular. Al igual que en cualquier otro mercado, los valores suben y bajan según las demandas y las modas del momento. Por ese motivo, es mejor centrarse en adquirir obras que crea que le proporcionarán un disfrute durante mucho tiempo y no solo con fines de inversión.

Andrey Kolesnikov comisariada por Oleg Deetz

¿Cómo saber cuándo se imprimió una fotografía?
Las impresiones fotográficas no necesariamente se crean en el momento en que se toma la imagen. El término "vintage" se refiere a una fotografía que se imprimió en el momento en que se realizó la exposición o cerca de ese momento. Aunque la palabra aparece con frecuencia en los debates en torno a una obra.

Sin embargo, se incluye el medio para indicar si la impresión se realizó de manera acorde con la práctica del artista en la época en que se tomó la imagen.

Si una fotografía fue impresa algún tiempo después de la fecha de la imagen original, esto se indica más comúnmente en la catalogación de subastas con la frase "impresa posteriormente" o "póstuma" si fue después de la muerte del artista.

Una placa de película retroiluminada de 8 x 10 pulgadas de ' Transparencia de un sueño iluminado ' 2014
Un catálogo en formato PDF de 15 pruebas de artistas de mariposas está disponible para descargar aquí

¿Es posible saber cuántas impresiones existen de una imagen determinada?
La respuesta a esta pregunta depende por completo del artista en cuestión. Algunos fotógrafos, o sus herederos, tienen buenos registros de esta información; para muchos, no existe.

El hecho de que una fotografía esté numerada a partir de una edición es un buen indicador, ya que las ediciones especifican la cantidad de copias de una imagen determinada en un tamaño particular. Es más habitual que las fotografías contemporáneas provengan de una edición que las copias antiguas.

Esto es de particular importancia en mi propio trabajo, ya que en 2013 decidí no volver a producir ediciones fotográficas y en su lugar opté por crear solo una impresión única y dos pruebas de artista (cada una de diferente tamaño y ejecución).

Me provoca la idea de que una pintura es intrínsecamente más valiosa que una fotografía, principalmente por su singularidad. Intento contrarrestar esta percepción produciendo exclusivamente copias de una sola edición, en un intento de desafiar las ideas sobre la valoración espiritual y económica de las obras de arte y crear una tensión emocionante entre su presente individual y su pasado reproducible y abandonado.

¿La condición de una impresión afecta su valor?

El estado de una fotografía suele afectar al valor general de la obra, pero no siempre. Por ejemplo, en las impresiones de los primeros días experimentales de la fotografía, es de esperar que se produzcan problemas de estado dada la antigüedad de las obras y el hecho de que el proceso aún no estaba plenamente desarrollado.

Por el contrario, se puede esperar que las fotografías contemporáneas estén en mucho mejores condiciones; los procesos y técnicas para las impresiones modernas son conocidos y permiten una resistencia a la luz excepcional.

Impresión en cuarto oscuro de 200 x 150 cm ' Grace ' de Alexander James Hamilton 2010.
Un catálogo en PDF de las obras de 'Vanitas' está disponible para descargar aquí.

Verificar la autenticidad de una fotografía
La autentificación comienza con anotaciones como sellos, firma, título o fecha combinadas con el estilo característico del fotógrafo, el proceso de impresión y el negativo, y el método típico de presentación, como si está montada o no. Un examen cuidadoso de otras fotografías del mismo artista ayudará a detectar cualquier característica inusual de la obra en cuestión. Si hay dudas sobre la datación de una impresión fotográfica que se presume es anterior a mediados de la década de 1950, el uso de una luz ultravioleta puede ser útil para comprobar si se introdujeron agentes blanqueadores ópticos (OBA) en el papel fotográfico en esa época (la presencia de OBA podría indicar una fecha de impresión posterior).

Por último, la ausencia de una firma no es necesariamente significativa, especialmente en las impresiones realizadas antes de 1900. Si una fotografía desconocida y sin firma tiene un estilo o contenido reconocibles, se puede realizar una atribución. Es probable que los comerciantes que representan a fotógrafos o sus herederos tengan acceso a material de fuentes primarias que será útil para verificar una obra. O, si un comerciante tiene una larga trayectoria en el manejo de la obra de un fotógrafo, es probable que haya acumulado experiencia, así como su propio archivo de información, que puede ser útil para la verificación.

En el caso de mi obra, cada pieza que ha salido del estudio está registrada en el catálogo razonado del estudio que se remonta a 1990 y, desde 2021, todas las impresiones del cuarto oscuro están autentificadas con un documento de procedencia firmado por el artista con una etiqueta NFC electrónica a prueba de manipulaciones. Desde 2020, hago todos mis propios marcos a mano en el estudio y, en este caso, la etiqueta NFC está adherida directamente a la parte posterior del soporte .

GLOSARIO

IMPRESIÓN DE ALBÚMINA
La impresión a la albúmina es un proceso que utiliza clara de huevo como aglutinante para la imagen de plata. Fue introducida en 1850 por Louis-Desiré Blanquart-Evrard y se utilizó ampliamente hasta 1900. Se recubría un papel fino de alta calidad por una de sus caras con una o dos capas de albúmina en las que se habían disuelto sales de haluro. Luego, el papel se empaquetaba para su venta. Para su uso, el fotógrafo primero tenía que hacer que el papel fuera fotosensible aplicando con un pincel una solución de nitrato de plata sobre la capa de albúmina. Una vez seco, el papel se exponía a la luz del día en contacto con un negativo, normalmente una placa húmeda de colodión, hasta que se imprimía la imagen.

Antes de fijarlas, las copias a la albúmina solían ser matizadas con una solución de cloruro de oro para enfriar el color marrón y mejorar la permanencia de la fotografía. Hoy en día, las copias a la albúmina suelen tener reflejos amarillentos y una imagen de color púrpura a marrón.

AMBROTIPO
Aunque a menudo se confunde con un daguerrotipo, un ambrotipo es, en esencia, un negativo de placa húmeda de colodión; por lo tanto, su soporte no es metal sino vidrio. Se diferencia de las placas húmedas utilizadas para imprimir sobre papel en que la imagen de plata se revelaba hasta un blanco grisáceo mediante la adición de cloruro de mercurio o ácido nítrico al revelador. Cuando se respalda con una laca negra o un tejido oscuro, las partes de color blanco grisáceo adquieren la apariencia de luces y el soporte negro rellena las sombras, dando así a la imagen la apariencia de un positivo. Los ambrotipos se exhibían en estuches y marcos similares a los utilizados para los daguerrotipos con el fin de protegerlos y hacerlos presentables. Un ambrotipo puede
Se distingue del daguerrotipo en que siempre aparecerá como positivo sin importar el ángulo de observación, mientras que el daguerrotipo cambiará de positivo a negativo según el ángulo de observación. El proceso del ambrotipo se utilizó de manera generalizada desde 1855 hasta aproximadamente 1865.

TRATAMIENTO DE ARCHIVOS
El término procesamiento de archivo describe la mejor práctica para procesar químicamente materiales fotográficos. El objetivo es fijar suficientemente la imagen y eliminar sustancias superfluas de la emulsión y el sustrato para asegurar la longevidad de la fotografía. El proceso generalmente incluye múltiples baños de fijación, tonalización con oro, selenio o azufre y un lavado eficaz.

AUTOCROMO
Este antecesor de la transparencia de color moderna fue inventado en 1904 por Auguste y Louis Lumière y estuvo en uso hasta la década de 1930. Los autocromos fueron los procesos de placa de serigrafía que tuvieron más éxito entre los que aparecieron en el mercado a principios del siglo XX. El soporte de placa de vidrio de un autocromo contiene una capa muy fina de partículas de almidón de patata teñidas que se mantienen en barniz, detrás del cual se encuentra una emulsión de plata gelatinosa. La capa de almidón forma esencialmente una pantalla granulada y algo apagada de diminutos filtros rojos, verdes y azules que dan a la imagen positiva su color. Los autocromos se ven a contraluz en estuches especiales o mediante proyección.

SELLO CIEGO
Un sello ciego es una marca de identificación impresa en relieve sobre la fotografía o su soporte. El sello suele indicar el nombre o la dirección del fotógrafo, el editor o el distribuidor.

IMPRESIÓN DE BROMOIL / TRANSFERENCIA DE BROMOIL
El proceso de bromoil fue popular desde 1907 hasta la década de 1930; todavía se realiza ocasionalmente en la actualidad. Su nombre deriva de una combinación de una impresión de bromuro y una tinta pigmentada a base de aceite. El origen de una impresión de bromoil fue una impresión de gelatina de bromuro de plata que se blanqueaba en una solución de bicromato de potasio. La sal de bicromato endurecía la emulsión en proporción a la cantidad de plata que formaba la imagen original. Luego se aplicaba una tinta grasosa sobre la superficie humedecida de la impresión y, donde la gelatina había absorbido agua (en los reflejos no endurecidos), repelía la tinta a base de aceite. Las aplicaciones repetidas de tinta construían gradualmente la imagen. La impresión así creada se secaba o se usaba en una prensa para transferir la imagen entintada a otra superficie, creando así una transferencia de bromoil. La superficie de una impresión de bromoil muestra un ligero relieve a menos que sea una impresión de transferencia. Las impresiones en bromo tienen una imagen granulada similar a la de una impresión en goma bicromatada, y el uso selectivo de un pincel ofrece una amplia gama de manipulación artística de la imagen.

CALOTIPO / TALBOTIPO
El calotipo, o talbotipo, un proceso de impresión en negativo de papel, fue descubierto por William Henry Fox Talbot en 1840 y patentado en 1841. El proceso se utilizó durante aproximadamente una década hasta que fue reemplazado gradualmente por el negativo de placa húmeda de colodión. El calotipo fue revolucionario en su momento, porque, por primera vez, se podían hacer múltiples positivos a partir de un solo negativo. Esto no era posible con su único rival contemporáneo, el daguerrotipo, que es un proceso directo que produce una sola imagen. Un calotipo se hacía aplicando múltiples capas de sales y soluciones sensibilizantes a una hoja de papel de escribir fino, exponiendo esa hoja –aún húmeda– en una cámara, revelando la imagen, un baño de fijación y un lavado final. La transparencia del negativo de papel se podía mejorar encerando la hoja. Lo más común era que las impresiones con sal se hicieran a partir de negativos de calotipo.

IMPRESIÓN CROMOGÉNICA / IMPRESIÓN ACOPLADORA DE COLOR / C-PRINT
Una impresión cromogénica es una impresión en color realizada a partir de un negativo en color. La emulsión tiene tres capas de sales de plata, cada una de las cuales está sensibilizada a uno de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) y registra información sobre la composición de ese color en la fotografía. En el revelado inicial, se forma una imagen de plata en cada capa. Con un mayor revelado, los acopladores de colorantes incorporados reaccionan con los productos del revelado de plata para formar colorantes amarillo, magenta y cian en las respectivas capas de emulsión. Luego, la plata se elimina de la emulsión, dejando solo los colorantes. Cuando se observan contra el papel blanco del papel fotográfico, las capas aparecen como una imagen a todo color. Las primeras emulsiones cromogénicas se utilizaron en películas de diapositivas en 1935 y, gracias a muchas mejoras, han seguido siendo el sistema más dominante para la fotografía en color en transparencias, negativos e impresiones desde entonces. El tipo C era un papel de color cromogénico comercializado por Eastman Kodak Co. que fue reemplazado, principalmente por Ektacolor en los EE. UU., en 1958 y no ha estado disponible desde entonces. El tipo C, o impresión C, es un término arcaico que a menudo se usa (de manera incorrecta) de manera genérica para identificar una impresión cromogénica.

NEGATIVO DE COLODIÓN SOBRE VIDRIO / PLACA HÚMEDA DE COLODIÓN
El proceso de placa húmeda al colodión fue inventado por Frederick Scott Archer en 1848, publicado en 1851 y practicado como el proceso de negativos más popular desde mediados de la década de 1850 hasta la de 1880, cuando fue reemplazado gradualmente por la placa seca de gelatina. Una placa de vidrio se cubría uniformemente con colodión (nitrato de celulosa disuelto en alcohol y éter, al que se habían añadido sales), se volvía fotosensible en un baño de nitrato de plata, se exponía en una cámara y finalmente se revelaba, fijaba y lavaba, todo antes de que la capa de colodión se secara. El negativo resultante normalmente se barnizaba para preservarlo y protegerlo. Aunque el vidrio era frágil y el proceso era complicado (había que realizarlo rápidamente y en la oscuridad mientras la placa todavía estaba húmeda), las ventajas superaban con creces a las desventajas. A diferencia del daguerrotipo, el proceso al colodión producía un negativo del que se podían hacer múltiples impresiones. El tiempo de exposición también era considerablemente más corto que el que exigían otros procesos. Las placas húmedas de colodión se solían imprimir por contacto sobre papel de albúmina y producían impresiones con detalles extremadamente finos. Las placas gigantes, que normalmente medían 45 x 55 cm, eran las más grandes disponibles y se utilizaban generalmente para fotografiar paisajes. La mayoría de los negativos de colodión sobre vidrio eran placas húmedas. También se desarrollaron procesos de colodión seco, que permitían recubrir las placas mucho antes de su uso. Sin embargo, los negativos de placa seca de colodión nunca alcanzaron un gran éxito comercial, ya que producían resultados inconsistentes y requerían tiempos de exposición más largos que los negativos de placa húmeda.

COLOTIPIO
Una fototipia es una imagen fotomecánica muy detallada impresa a partir de una placa fotográfica. Este proceso, patentado en 1855, se volvió completamente comercialmente viable en la década de 1870 y todavía se utiliza ocasionalmente en la actualidad. La fototipia era utilizada con frecuencia por los editores que deseaban tener un medio de reproducción fotomecánica que imitara la apariencia de una fotografía real. Para hacer una fototipia, se cubría una placa de vidrio con una capa de gelatina endurecida. Se añadía una segunda capa de gelatina, que se volvía fotosensible mediante la adición de una sal de bicromato. A continuación, la placa se secaba en un horno caliente bajo un estricto control, lo que hacía que la gelatina se hinchara y se doblara y, finalmente, se fracturara en pequeñas fisuras, formando un patrón distintivo llamado reticulación. A continuación, la placa se exponía a la luz bajo un negativo, durante el cual la gelatina bicromatada se endurecía en proporción a la cantidad de luz que recibía. Por último, la placa se enjuagaba con agua para eliminar el exceso de bicromato. En la impresión, la reticulación de la superficie de gelatina controlaba la cantidad de tinta que era aceptada o rechazada por la capa de gelatina. El resultado fue una imagen de tinta con finos detalles y un patrón de reticulación apenas visible a simple vista.


IMPRESIÓN DE CONTACTO / HOJA DE CONTACTO
Una impresión por contacto se produce colocando el negativo en contacto directo con el papel fotográfico en lugar de proyectar la imagen sobre el papel a través de una ampliadora. Las impresiones por contacto tienen el mismo tamaño que el negativo y muestran una extraordinaria nitidez de detalles. Todas las primeras fotografías se hicieron mediante impresión por contacto sobre papeles para imprimir, ya que la ampliación exitosa solo fue posible en la década de 1890. Las hojas de contacto son impresiones por contacto de rollos de negativos de película que se han cortado en tiras y se han colocado uno al lado del otro sobre el papel fotográfico.


COPIA IMPRIMIR
Una copia se realiza a partir de un negativo que se produce al fotografiar una copia existente. Un fotógrafo puede optar por hacer una copia negativa de una copia maestra si el negativo original se ha perdido o dañado, o si la copia maestra fue el producto de numerosas exposiciones y/o manipulaciones que no se pueden reproducir fácilmente. En el caso de una copia manipulada, es probable que el fotógrafo considere un negativo de copia como su negativo maestro, ya que por sí solo produce la copia final deseada. El término también se utiliza a veces para describir una copia impresa, que no es una impresión de bellas artes.

CIANOTIPO
Sir John Herschel descubrió el proceso de cianotipia en 1842. (Herschel, astrónomo e inventor, fue el primero en utilizar los términos “negativo” y “positivo” para describir la fabricación de una impresión fotográfica. Un retrato suyo realizado por Julia Margaret Cameron es quizás su homenaje más conocido en la actualidad.) Una cianotipia se hace aplicando una mezcla de dos sales de hierro a una hoja de papel, exponiendo esta superficie sensible a la luz en contacto con un negativo hasta que aparezca una imagen, luego lavando la impresión en agua para eliminar las sales no expuestas. No se requiere fijación. La imagen azul característica resultante está compuesta de ferrocianuro férrico, también conocido como azul de Prusia. La cianotipia fue uno de los primeros procesos permanentes; en la década de 1870, se lo conoció como blueprint y, hasta hace poco, todavía se usaba para reproducir planos arquitectónicos.

DAGUERROTIPO
Un daguerrotipo es una fotografía realizada con el método publicado por Louis-Jacques-Mandé Daguerre en Francia en 1839. Se convirtió en el primer proceso fotográfico que obtuvo un gran éxito comercial. Un daguerrotipo se hacía suspendiendo una lámina de cobre plateado pulido sobre vapores de yodo (y más tarde también de bromo), lo que hacía que la superficie de plata fuera sensible a la luz. La placa se exponía en la cámara durante 20 minutos a la luz del día, lo que explica la postura a menudo rígida del retratado. Además, la cámara del daguerrotipo producía una imagen que se invertía de derecha a izquierda a menos que la lente estuviera equipada con un espejo de inversión. Después de la exposición, la placa se revelaba sobre vapores de mercurio caliente, lo que daba como resultado una imagen compuesta por un depósito de partículas de amalgama de mercurio y plata en las luces altas y áreas de plata pulida simple que formaban las sombras. La imagen se fijaba y finalmente se tonificaba con cloruro de oro para mejorar su color, contraste y permanencia. Para su propia protección, los daguerrotipos se guardaban sellados detrás de un cristal en pequeñas cajas de madera en los EE. UU. y, a menudo, en marcos en la Europa continental. La imagen del daguerrotipo es en realidad un negativo; para que se vea como un positivo, debe sostenerse en ángulo para minimizar los reflejos. Cada daguerrotipo es único y valioso. Esto, junto con su fecha temprana en la historia de la fotografía, explica su atractivo como objeto de colección. Los retratos son relativamente comunes, mientras que las escenas al aire libre son raras. Los daguerrotipos más grandes, de placa completa, eran más caros de hacer y de comprar en ese momento, y por lo tanto, hoy son más escasos que los daguerrotipos más pequeños. La fabricación de daguerrotipos pasó de moda después de la introducción del ambrotipo en la década de 1850.

ORIGINAL DIGITAL / IMAGEN DIGITAL / NEGATIVO DIGITAL
El término original digital se refiere a menudo a un archivo de imagen creado con una cámara digital o un software de imágenes digitales en un ordenador; es análogo al negativo fotográfico tradicional, que contiene toda la información necesaria para crear una versión final de la imagen. El término también puede referirse al archivo digital utilizado para crear un negativo físico que se puede imprimir en un cuarto oscuro tradicional. Una imagen digital, o negativo digital, se forma dentro de una cámara digital o un escáner mediante un chip llamado Dispositivo de Acoplamiento Cargado (CCD) que contiene una red de circuitos sensores sensibles a la luz. Estos circuitos emiten señales eléctricas, que son proporcionales a la intensidad de la luz recibida durante su exposición. Estas señales se convierten en una serie de dígitos binarios, que se traducen en una red de elementos de imagen individuales, llamados píxeles, que componen la imagen digital resultante. A continuación, la información se almacena en forma electromagnética, normalmente en un disco duro, donde se puede recuperar en una fecha posterior para imprimir.

EDICIÓN
Una edición es una limitación designada en el número de copias de un solo negativo. Como en la impresión tradicional, la limitación de la edición se indica en forma de fracción, donde el numerador indica el número de copia en la serie y el denominador indica el número total de copias (por ejemplo, 1/25). Las fotografías de una edición no necesariamente se imprimen con anticipación, ya que el minucioso proceso involucrado en hacer una impresión de bellas artes es, de hecho, autolimitante. La demanda de ventas puede determinar si finalmente se produce o no todo el conjunto de copias. Por lo tanto, el número de copias existentes puede ser menor que el tamaño de edición indicado. La mayoría de las fotografías anteriores a 1980 no están editadas. Las investigaciones indican que, para la gran mayoría de imágenes no editadas, es raro encontrar más de cinco copias de una misma imagen. La mayoría de las fotografías posteriores a 1980 se realizan en un número limitado predeterminado (por ejemplo, 1/25). Esto no quiere decir que todas las copias se impriman de antemano, ya que el minucioso proceso que implica hacer una copia artística obliga al fotógrafo a hacer solo unas pocas copias de una edición a la vez. La demanda de ventas dicta si se produce o no el conjunto completo de copias. Por lo tanto, la cantidad de copias existentes suele ser menor que la que indica el número de edición indicado. En términos generales, las ediciones de copias de artistas que utilizan la fotografía son menores (por ejemplo, 1/3) que las de fotógrafos tradicionales (por ejemplo, 1/25).

IMPRESIÓN EN GELATINA DE PLATA / IMPRESIÓN EN BROMURO DE PLATA / IMPRESIÓN EN CLORURO DE PLATA
La fabricación de impresiones en gelatina de plata, papel en blanco y negro recubierto con una emulsión compuesta de gelatina y plata, se propuso por primera vez en la década de 1870 y comenzó a mediados de la década de 1880. Este papel es el material fotográfico de uso continuo más duradero. El tipo de sal de plata suspendida en la emulsión determina el método de impresión que se utiliza. Los papeles que contienen cloruro de plata eran menos sensibles a la luz ("más lentos") y generalmente se usaban para imprimir en contacto con un negativo. Los papeles que contienen bromuro de plata son "más rápidos" y generalmente se usan para ampliaciones. Los papeles de clorobromuro, que contienen una combinación de las dos sales de plata, se pueden usar para cualquiera de los dos métodos de impresión. La proporción de las sales de plata en la fórmula de una emulsión contribuye a las diferentes tonalidades de los papeles, aunque la exposición, los agentes reveladores y los tóneres posteriores al revelado, como el cloruro de oro, desempeñan un papel más importante. El tono de una impresión en gelatina de bromuro de plata es generalmente negro neutro, mientras que una impresión en gelatina de cloruro de plata tiene un tono más cálido. Las impresiones en papel de clorobromuro pueden tender hacia un tono cálido, parduzco-negro. Los papeles de gelatina de plata, que en su día se producían en gran variedad por un gran número de fabricantes, estaban disponibles en una gama de contrastes, gramajes, texturas superficiales y tamaños.

IMPRESIÓN POR CHORRO DE TINTA / IMPRESIÓN PIGMENTADA
Desde la década de 1990, la inyección de tinta se ha convertido en uno de los procesos de impresión digital más populares para imprimir archivos digitales en una gran variedad de soportes. En fotografía, las imágenes digitales se imprimen con mayor frecuencia en una base de papel brillante RC o en un papel mate de algodón para bellas artes, ambos con un revestimiento especial para la inyección de tinta. Las impresiones de inyección de tinta en papeles de tipo grabado se conocen a menudo como impresiones giclée, y se han introducido una gran cantidad de nombres, incluidos impresión piezoeléctrica e impresión pigmentada, para otras aplicaciones de inyección de tinta. En la inyección de tinta, se rocían pequeñas gotas de tinta líquida de color (normalmente amarillo, magenta, cian y negro) sobre un soporte para formar una imagen. Las imágenes monocromáticas a veces se imprimen con tintas a base de carbono de diferentes densidades de gris. Las impresiones de inyección de tinta modernas pueden ser extremadamente hermosas en términos de color, gama tonal y nitidez, y pueden superar a las impresiones fotográficas tradicionales en términos de permanencia. Se necesita un ojo entrenado para distinguir una impresión de inyección de tinta de otras formas de impresión, ya que el patrón de puntos de tinta impresos a menudo está por debajo del límite de resolución del ojo humano.

EDICIÓN LIMITADA
En el caso de las fotografías de bellas artes, el término edición limitada suele entenderse como un número determinado de copias de una imagen en un tamaño y formato determinados. Cuando no se van a realizar copias fotográficas adicionales en ningún tamaño o formato a partir de un negativo en particular, ese concepto suele comunicarse con una frase como “el negativo ha sido retirado”, ya que los negativos rara vez se destruyen.

FOTOGRAMA
Un fotograma es una impresión fotográfica realizada sin negativo ni cámara, colocando objetos directamente sobre papel fotosensible y exponiendo el conjunto a la luz. Dependiendo de la opacidad o translucidez de los objetos utilizados, el fotograma suele tener una imagen sombreada de varios tonos, de gris a blanco, sobre un fondo oscuro. Man Ray, que pensaba que él y Lee Miller habían inventado este proceso en 1921, los llamó Rayografías. De hecho, William Henry Talbot fue el primero en utilizar este proceso sin cámara.

FOTOGRABADO
El fotograbado, un proceso de impresión basado en la patente de grabado fotográfico de William Henry Fox Talbot de 1852, aprovecha la captura de la imagen original de la fotografía expresada en tinta de imprenta de eficacia probada. Una placa de impresión de metal fotosensible se expone bajo un positivo fotográfico y luego se graba. Esta placa, que reproduce la imagen original con gran fidelidad, se limpia luego de todos los productos químicos fotográficos y se puede utilizar en una imprenta estándar, lo que produce impresiones finamente detalladas y tonalmente ricas que son completamente estables. La imagen resultante es sorprendentemente similar a una impresión en platino, pero al ampliarla, el patrón de la imagen puede aparecer granulado y suave, con áreas oscuras y sombras que sobresalen de la superficie del papel. La placa deja una impresión dentada, que a menudo se conserva en las impresiones sin recortar. Talbot mejoró enormemente la reproducción tonal con su proceso de grabado fotoglífico de 1858 y con innovaciones posteriores; en 1879, este proceso se comercializó en Austria como el proceso Talbot-Klič por el impresor checo Karel Klič. J. Craig Annan y otros fotógrafos foto-secesionistas recurrieron a este proceso como forma preferida de expresión artística, y Alfred Stieglitz lo utilizó para ilustrar su revista pionera Camera Work. El rotograbado comercial lo amplió a los mercados masivos, proporcionando reproducciones de mayor calidad que las de medios tonos con impresión tipográfica. Muchos artistas contemporáneos siguen utilizando el difícil pero hermoso proceso de Talbot del fotograbado hecho a mano.

IMPRESIÓN EN PLATINO / IMPRESIÓN EN PALADIO
El proceso de impresión con platino se utilizó principalmente desde 1873 hasta la Primera Guerra Mundial, cuando la necesidad de platino para la fabricación de explosivos hizo que el metal se retirara de otras aplicaciones comerciales. Como resultado, la Platinotype Company de William Willis incorporó paladio en la solución sensibilizadora, reemplazando al platino en su mayor parte. La compañía de Willis continuó fabricando papeles disponibles comercialmente hasta 1937, cuando la demanda de papel de gelatina de plata más rápido y sensible la obligó a cerrar. Las impresiones en platino y paladio se producen por medio de la sal de hierro sensible a la luz oxalato férrico, que, en solución con cloroplatinato de potasio, se recubre sobre una hoja de papel de alta calidad. Después de la impresión por contacto bajo un negativo a la luz del día, el papel se revela, durante el cual la sal de cloroplatinato se reduce a platino metálico. El papel se fija en una serie de baños ácidos débiles y finalmente se lava en agua. Sin una capa de emulsión o barita, la impresión final tiene una superficie mate que a veces se enceraba para crear un brillo superficial. Según la elección de los productos químicos de procesamiento, el tono puede variar entre gris neutro y marrón cálido. Este proceso está experimentando un resurgimiento entre los fotógrafos contemporáneos, ya que la permanencia y los delicados tonos y gamas de grises de la impresión en platino/paladio siguen siendo inalcanzables en las impresiones en plata.

TIPO DE HIERRO / FERROTIPO
El proceso de plancha húmeda del ferrotipo, o tintype, produce una imagen positiva sobre una fina lámina de hierro lacada en negro. Al igual que el ambrotipo, la lámina se cubría con colodión y luego se volvía fotosensible en un baño de nitrato de plata inmediatamente antes de colocarla en la cámara. El revelado se realizaba inmediatamente después de la exposición. Cuando se secaba, la frágil imagen en colodión se recubría a menudo con una laca transparente para protegerla. Los ferrotipos se utilizaban principalmente para retratos y fueron muy populares desde la década de 1850 hasta principios de siglo. Su popularidad se debía en gran medida al hecho de que eran bastante económicos y relativamente fáciles y rápidos de producir. El ferrotipo, al igual que otros procesos del siglo XIX, está disfrutando de un resurgimiento del interés entre los fotógrafos contemporáneos.

TRANSPARENCIA / DIAPOSITIVA
Las imágenes fotográficas positivas sobre un soporte transparente, como el vidrio o la película, se denominan transparencias o diapositivas. Por lo general, se hacían para proyección, aunque también se han utilizado dispositivos de visualización manuales. Las primeras transparencias en color eran placas de pantalla, como los autocromos. Kodachrome, la primera película de transparencia cromogénica, se presentó en 1935; estableció un estándar de calidad y formato, siendo este último la típica diapositiva de 35 mm montada en un pequeño marco para proyección. Las transparencias se hicieron inmensamente populares tanto en la fotografía amateur como en la profesional en muchos formatos diferentes.